Anita de Caro (1909–1998) – "Jeux", 1962
Évocation poétique et colorée d’un monde intérieur, cette œuvre intitulée Jeux est une peinture abstraite vibrante d’Anita de Caro, réalisée à l’huile sur toile en 1962. Dans une composition énergique, l’artiste déploie une palette contrastée mêlant bleus profonds, ocres lumineux et éclats de rose, révélant sa sensibilité lyrique et gestuelle.
État général :
Œuvre signée en bas à droite "a. de Caro", contresignée sur le dos de la toile et du châssis. Bon état général, à noter quelques frottements légers en bordure, notamment aux angles, sans incidence majeure sur l’impact visuel de l’œuvre.
Présentée dans un encadrement en chêne récent, de belle facture.
Dimensions :
Toile seule : 33 x 19 cm
Avec cadre : 37 x 23 cm
Informations complémentaires :
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Biographie:
Née à New York en 1909, Anita de Caro appartient à cette génération féconde qui a marqué l’abstraction lyrique du XXe siècle. Formée à la Art Students League de New York, elle quitte les États-Unis dans les années 1930 pour suivre les enseignements du peintre Heye à Zurich, dans un besoin profond de réinvention. Ce tournant décisif la mène à Paris où elle s’installe en 1937 et rejoint l’atelier de gravure de William Stanley Hayter, au contact d’artistes majeurs.
Sa rencontre avec l’œuvre de Paul Klee dès 1935 influence durablement sa pratique. Elle y découvre l’art comme un langage autonome, où musique et peinture tissent des correspondances. Loin des dogmes, Anita de Caro cultive une syntaxe plastique singulière, faite de signes, de rythmes et de réseaux graphiques.
Très tôt soutenue par Jeanne Bucher, elle expose dès 1950 dans les plus grandes galeries européennes : Denise René, Kaganovitch, Adrien Maeght ou encore la Hanover Gallery à Londres.
Sa peinture est rapidement rapprochée de celle de Vieira da Silva, dont elle partage certains enjeux spatiaux et poétiques, sans jamais en adopter la structure labyrinthique.
Tandis que Vieira explore les rues de Lisbonne, Anita de Caro élabore ses propres « villes mentales », enchevêtrements de lignes et de tensions, dans une palette sourde et nuancée.
Peintre du silence et de l'intériorité, elle fuit les mondanités et préfère le retrait de son atelier parisien.
Là, elle élabore une œuvre discrète, patiente, sensible aux échos du monde mais toujours recentrée sur l’essentiel. Si elle dialogue avec des figures comme Sonia Delaunay, Germaine Richier ou Nina Kandinsky, c’est dans l’intensité de la peinture qu’elle trouve sa vraie langue.
Son œuvre évolue au fil des décennies, des toiles de la série « La Ville », traversées de filets et de structures urbaines, aux « Cosmogonies », plus aériennes, jusqu’aux dernières compositions où la couleur s’efface au profit d’une lumière intériorisée. Elle peint ce qui n’est pas encore là, ce qui se devine. « L’invisible devient visible », dit-elle.
Malgré son indépendance d’esprit, elle fut reconnue par ses pairs  comme une figure majeure de l’abstraction poétique. Sans jamais appartenir à un courant ou une chapelle, Anita de Caro a inventé sa propre voie, entre rigueur et émerveillement, et laisse une œuvre rare, encore trop méconnue, mais d’une profonde modernité.
 
 
Anita de Caro (1909–1998) – “Jeux”, 1962
A poetic and colorful abstraction, Jeux is a vibrant oil on canvas painted by Anita de Caro in 1962. With a bold interplay of deep blues, warm ochres, and bright pinks, the artist conveys an inner world of rhythm and emotion through gestural and lyrical abstraction.
Condition:
Signed lower right “a. de Caro”, also countersigned on the back of the canvas and the stretcher. Good overall condition. Some slight rubbing along the edges and corners, consistent with age.
Framed in a high-quality recent oak frame.
Dimensions:
Canvas only: 33 x 19 cm
Framed: 37 x 23 cm
Additional info:
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Here is the English translation of the biography:
Biography:
Born in New York in 1909, Anita de Caro belongs to the rich generation that helped shape lyrical abstraction in the 20th century. Trained at the Art Students League in New York, she left the United States in the 1930s to study under painter Heye in Zurich, driven by a deep need for reinvention. This decisive turning point led her to Paris, where she settled in 1937 and joined William Stanley Hayter’s printmaking studio, working alongside major artists of the time.
Her encounter with Paul Klee’s work in 1935 had a lasting impact on her practice. There, she discovered art as an autonomous language, where music and painting echoed one another. Far from dogma, Anita de Caro developed a distinctive visual syntax, composed of signs, rhythms, and graphic networks.
Supported early on by Jeanne Bucher, she began exhibiting in 1950 in some of the most prominent European galleries: Denise René, Kaganovitch, Adrien Maeght, and the Hanover Gallery in London.
Her work was soon compared to that of Vieira da Silva, with whom she shared spatial and poetic concerns—though without adopting the latter’s labyrinthine structures.
While Vieira explored the streets of Lisbon, Anita de Caro constructed her own "mental cities"—tangled webs of lines and tensions, rendered in a muted, subtle palette.
A painter of silence and inwardness, she shunned social life and preferred the solitude of her Paris studio.
There, she developed a discreet, patient body of work, attuned to the echoes of the world yet always focused on the essential. While she engaged in artistic dialogue with figures such as Sonia Delaunay, Germaine Richier, and Nina Kandinsky, it was in the intensity of painting that she found her true voice.
Her work evolved over the decades—from the canvases of the La Ville series, crossed by nets and urban structures, to the more ethereal Cosmogonies, and finally to her later compositions, where color faded in favor of an interiorized light. She painted what is not yet visible, what can only be sensed. “The invisible becomes visible,” she said.
Despite her independence of spirit, she was recognized by her peers as a major figure in poetic abstraction. Never tied to any movement or school, Anita de Caro forged her own path—between discipline and wonder—and leaves behind a rare and still underrecognized body of work, marked by profound modernity.

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